Fabián Bercic: su jardín

La idea de cruzar iconografía cristiana con muñequitos y estética comercial japonesa. San Jorge y el Vía Crucis, San Francisco.
Esa es la serie “Un Mundo Feliz”, es la más extensa de mi trabajo y la que marca mi cuerpo de obra principal. En ella pretendo entender las similitudes y diferencias entre los grandes grupos ideológicos y religiosos. No trabajo desde la investigación filosófica, sino que parto de la experiencia personal, mi mirada es bastante ingenua, por lo general está anclada en los años de mi niñez: el colegio católico, los juegos en el barrio, mis dibujos animados favoritos.

Pop es una lectura obvia, hasta generalista. ¿Te representa, en tu opinión?
Me llevo muy bien con el término, desde que empecé a trabajar con los juguetes las Brillo box de Warhol fueron un claro referente para mis piezas.

Escultura con resina y LEDs escapa al concepto clásico de escultura.
La escultura contemporánea utiliza todo tipo de materiales, desde cosas para la industria muy específicas hasta cualquier elemento cotidiano, incluso muchos que son efímeros o perecederos. También trabaja con el vacío, la luz o el espacio en sí. La resina polyester es otro de tantos posibles, que además mantiene, por su forma de trabajo, estrecha relación con la escultura tradicional, la noción de moldes, modelado, llenado y pulido. Hace diez años que lo utilizo. Al principio, me interesaba por la similitud que posee con el plástico industrial, hoy en cambio mi interés se centra en el oficio y las múltiples posibilidades que el material me brinda.

¿Cómo es para vos que tu muestra abra la galería de Ignacio? ¿Qué te mueve de su proyecto?
Para mí es genial, es la primera vez que trabajo con una galería y abrir el espacio es como un voto de confianza. El proyecto de Ignacio tiene un claro objetivo de difusión, la edición de su propia colección de libros sobre los artistas de su galería así lo demuestra, hacia adentro y sobre todo hacia el exterior, donde participa de ferias y trabaja en conjunto con otras galerías y también acompañando a quienes exponen en distintos países, siempre atento a generar nuevas situaciones y posibles muestras.

Volviendo al punto sacro-nipón, el arte religioso tiene un sentido de trascendencia y muerte fortísimo. ¿Cómo es chocarlo con el léxico Kawaii, que es casi el opuesto, que le huye a la pesadez y a la oscuridad?
La idea era trabajar preconceptos muy arraigados desde nuevas perspectivas, ablandar cuestiones que las volvían muy herméticas y tratar de entender nuevamente y desde cero cuestiones dogmáticas confrontadas a la realidad contemporánea. Por otro lado el mercado que nos inunda de infinidad de productos inservibles para el consumo desaforado e inconsciente, la globalización, el capitalismo, las nuevas formas de producción que utiliza mano de obra de países poco desarrollados, también muestran un costado oscurísimo, aunque los objetos que produzca no lo evidencien.

Lo mismo tus jardines Zen, que son la depuración extrema, piedra gris y línea recta. ¿Qué te interesa de hibridarlo con acrílico y colores chillones?
Un poco tenía el mismo sentido de actualizar un formato de tradición. Eso en la superficie, ya que en mi versión, sus pulidos colores de apariencia industrial y manufactura anónima guardaban el secreto de un enorme trabajo llevado a cabo silenciosamente, produciendo solo, en mi taller, con métodos muy tradicionales y mucha disciplina, lijando y puliendo a mano cada parte, acercándome en esta práctica a las labores de rastrillado y tareas prácticas propias de los monjes budistas.

Pregunta elemental: tus héroes o anti-héroes, influencias, y el momento en que viste que podía pasar algo con tu arte.
Desde mi infancia, los dibujos animados de Astroboy, Heidi y Meteoro, ellos podrían ser mis héroes. También lo podría ser Ferdinand Cheval, un cartero rural frances que vivió a finales del siglo XIX y principio del XX y que durante más de treinta años construyó “El Palacio Ideal” con piedras que recolectaba en sus recorridas. O Leonard Knight, quien, tras una revelación mística, se retiró al desierto para pintar sobre una pequeña montaña su mensaje de amor a Dios, y en ello trabaja incansablemente cada día de su vida. Me interesa la tradición de copiado de libros manuscritos medievales, también el carácter sincrético y costumbrista de la pintura cuzqueña y las ideas del movimiento de Arts & Crafts.
Giotto, El Bosco, Dirk Bouts, la catedral y el edificio de la universidad de Salamanca, el Libro de Kells, los jardines japoneses, Murakami, Nara, la arquitectura de Tadao Ando, los proyectos de Rem Kulhas, las casas de Buckminster Fuller, la Pineapple House, los materiales industriales, los mercados chinos, las jugueterías. Y respecto a mi trabajo, creo que con las radiografías de juguetes, encontré por primera vez algo que me interesaba y me abrió un mundo que se continuó con las siguientes series de juguetes propios.

Tu muestra individual en Texas fue un hecho bastante singular. ¿Qué necesitan los artistas contemporáneos argentinos para proyectar hacia afuera? ¿Apoyo de sus galeristas?
El arte argentino es en su mayor parte autogestionado por los propios artistas, si este esfuerzo enorme fuese apoyado por instituciones y galerías lograría un crecimiento muy grande. Y creo que Liprandi entiende muy bien esto.